Kira Muratova

2013.Kira MuratovaKira Muratova (* 1934) ist eine experimentierfreudige russische Filmregisseurin, die inzwischen 15 eigene Spielfilme realsiert hat. Ich habe leider nur zwei davon gesehen, DAS ASTHENISCHE SYNDROM (1989) und KLEINE LEIDENSCHAFTEN (1994). Das Buch von Isa Willinger, erschienen in der Reihe „kommunikation audiovisuell“ der HFF München, macht neugierig auf weitere Filme, die in den letzten Jahren teils ins Russland, teils in der Ukraine entstanden sind. Die Autorin hat für ihre zehn Kapitel schöne Überschriften gefunden: „Subversion und körperliche Affizierung“, „Ritus, Gender, Formalismus“, „Zersetzung total“, „Leiche im Koffer: Täuschung und Tod“, „Figuren des Performativen“, „Groteske Welten“, „Ohrensausen: die Tongestaltung“, „Weibliche Selbstinszenierung, entblößte Männer“, „Zirkustricks und Eisensteins Attraktionsmontage“. Jedem Kapitel sind ein, zwei oder drei Filme zugeordnet, die von Willinger sensibel interpretiert werden. Der Anhang enthält eines der seltenen Interviews mit Muratova und ihrem Ausstatter Evegenij Golubenko und eine kommentierte Filmografie. Unbedingt lesenswert, wenn man sich für den osteuropäischen Film interessiert. Mehr zum Buch: 5f595d4e2c729e5d5061/

Musik im DEFA-Spielfilm

2013.Musik DEFAEine „spannende Lektüre“ garantiert Ralf Schenk, Vorstand der DEFA-Stiftung, in seiner kurzen Vorbemerkung. Und er hat völlig Recht. Ich habe seit langem kein so interessantes Buch über die DEFA gelesen wie „Klang der Zeiten“, weil es den Blick auf die Filme aus einer speziellen und mir so nicht bekannten Perspektive öffnet. Der Hauptteil (130 Seiten) trägt den Titel „Komponisten im Gespräch“. Die sieben Interviews mit Peter Rabenalt, Bernd Wefelmeyer, Peter Michael Gotthardt, Christian Steyer, Wolfgang Thiel, André Asriel und Reiner Bredemeyer, meist geführt vom Herausgeber Klaus-Dieter Felsmann, sind extrem spannender Lesestoff, weil sie Auskunft geben über das Komponistenleben in der DDR, über die Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Regisseuren in den verschiedenen Genres, im Auf und Ab der DEFA-Geschichte und speziell über die Situation vor und nach der Wende. Besonders interessant fand ich die Gespräche mit Rabenalt, Gotthardt, Steyer und Thiel. Günther Fischer stand leider für ein Interview nicht zur Verfügung. Wolfgang Thiel hat einen kurzen, aber informativen Beitrag (30 Seiten) über die Geschichte der Musik zu DEFA-Filmen zugeliefert. Im dritten Teil des Buches (70 Seiten) sind Analysen der Filmmusik von 16 ausgewählten DEFA-Filme zu lesen, darunter DIE MÖRDER SIND UNTER UNS (Musik: Ernst Rothers, Text: Wolfgang Thiel), DER RAT DER GÖTTER (Hanns Eisler/Guido Heldt), BERLIN – ECKE SCHÖNHAUSER (Günter Klück/Jean Martin), DIE LEGENDE VON PAUL UND PAULA (Peter Gotthardt/Dieter Wiedemann), DIE LEIDEN DES JUNGEN WERTHER (Siegfried Matthus/Robert Rabenalt) und der Dokumentarfilm DU UND MANCHER KAMERAD (Paul Dessau/Jean Martin). Das Buch hat mich sehr beeindruckt. Es ist in der Schriftenreihe der DFEA-Stiftung erschienen, die im Bertz + Fischer Verlag publiziert wird. Mehr zum Buch: 42&products_id=428

Essays von Norbert Grob

2013.GrobDies ist – nach „Im Kino gewesen…“, „Zwischen Licht und Schatten“ und „Just be natural!“ – der vierte Band mit Texten von Norbert Grob und der 66. Band der „Filmstudien“. Er enthält 24 Essays zur Filmgeschichte, gegliedert in vier Kapitel: „Klassisches“, „Modernes“, „Solitäres“ und „Neuer Deutscher Film“. Mein Freund Norbert kommt von der Filmkritik; der Übergang zur Filmwissenschaft hat seinen Umgang mit dem Medium Film eher intensiviert und gottlob nicht grundlegend verändert. Er ist weiterhin ein Entdecker und Interpret und kein Definitionsartist. Ich bewundere seine analytischen Fähigkeiten, seine Neugier auf die Entwicklung von Erzählformen und sein nicht nachlassendes Interesse für die unterschiedlichsten Aspekte der Filmgeschichte. Er kann wunderbar porträtieren (dafür gibt es in dieser Anthologie mehr als ein Dutzend Beispiele, ich verweise nur auf seine Texte über Altman, Graf, Herzog, Hsiao-hsien, Ozu, Pabst, Rivette, Schroeter, Curt Siodmak, Visconti, Téchine sowie auf die neue Fassung seines Essays über Veit Harlan und dessen Melodramen). Ein schöner Text handelt von der „Großstädtischen Aura der 1920/30er Jahre“, interessante Überlegungen spielen mit der „Regie im Kino“, natürlich ist das klassische Hollywood-Kino präsent (mit einem Text über Warner Bros.), aber auch der experimentelle Film (Ottomar Domnick) und sein Lieblingsgenre, der Film noir (hier personifiziert in Alain Corneau). Auch die „Miniaturen“ sind vertreten (zu Handke, Wenders und den Frauen bei Godard). Ich hoffe sehr, dass es eines nicht zu fernen Tages einen fünften Band der Grob-Texte geben wird. Das verschafft ihnen eine Präsenz, die sie an den unterschiedlichen Orten ihrer Erstveröffentlichung (Zeitungen, Zeitschriften, Bücher) nicht haben können. Titelbild: Jean-Paul Belmondo und Jean Seberg in Godards A BOUT DE SOUFFLE (1959). Mehr zum Buch: Grob-Vom-Gesicht-Welt/productview.aspx?product=21512

Paris-Filme

2013.Paris-Film 2Wie bereitet man sich – filmisch – auf eine Paris-Reise vor? Die 1930er Jahre (Sous les toits de paris, HOTEL DU NORD) sind ein bisschen zu lange her. Das Jahr 1960 (À BOUT DE SOUFFLE, ZAZIE DANS LE MÉTRO,) ist auch schon mehr als fünfzig Jahre vorbei. Ich entscheide mich für drei neuere Filme, die es preiswert auf DVD gibt. Wir haben sie vor ein paar Jahren gesehen, aber nicht im Zusammenhang mit einer Paris-Reise. PARIS, JE T’AIME (2006) ist ein Episodenfilm, an dem 21 Regisseure beteiligt waren, darunter Gus Van Sant, Ethan und Joel Coen, Isabel Coixet, Olivier Assayat, Wes Craven und Tom Tykwer. Jede der 18 Episoden spielt in einem anderen Arrondissement (auf zwei Episoden wurde offenbar aus qualitativen Gründen verzichtet). Auch wenn manche Stories etwas forciert und überpointiert wirken, schafft es der Film, uns die Vielfalt der Stadt und das Spektrum ihrer Bewohner in 120 Minuten nahe zu bringen. Zur Vorbereitung einer Reise gut geeignet.

2013.Paris-Film 32 DAYS IN PARIS (2007) von Julie Delpy ist eine relativ amüsante Komödie, in der man viel von Paris zu sehen bekommt. Erzählt wird ein zweitägiger Beziehungsstress auf einem Zwischenstopp in Paris. Die Probleme sind sprachlicher und psychischer Natur. Und es prallen zwei Kulturen aufeinander: die amerikanische und die französische. Aber es gibt ein Happy-End. Mit Julie Delpy und Adam Goldberg.

2013.Paris-Film 1PARIS (2008; dt.: SO IST PARIS) von Cédric Klapisch beginnt mit einer wunderbaren Eröffnungsequenz, in der Paris im flirrenden Sommerlicht erscheint und alle Klischees hintereinander montiert werden. Der Film spielt dann im Winter, zeigt vor allem Menschen in schwierigen Situationen und die Stadt im Schneematsch. Nicht die Sehenswürdigkeiten kommen ins Bild, sondern die Atmosphäre des Alltags. Gut für uns Touristen, damit wir die Stadt begreifen. Mit Juliette Binoche, Romain Duris und Fabrice Luchini. Nun fahren wir am Mittwoch mit vielen Bildern im Kopf nach Paris.

Howard Hawks

2013.HawksIm Berliner Arsenal wird heute eine Filmreihe eröffnet, die einem der Großen des Classical Hollywood gewidmet ist: Howard Hawks (1896-1977). Bei 43 Filmen, beginnend mit THE ROAD TO GLORY (1926), endend mit RIO LOBO (1970), hat Hawks Regie geführt. Es sind fast alle Genres vertreten. Meine persönlichen Lieblingsfilme sind BRINGING UP, BABY (1938) mit Cary Grant und Katharine Hepburn, TO HAVE AND HAVE NOT (1945) mit Humphrey Bogart und Lauren Bacall und RIO BRAVO (1959) mit John Wayne, Dean Martin und Angie Dickinson. 1979 hat Hans C. Blumenberg ein schönes Buch über Hawks publiziert: „Die Kamera in Augenhöhe“ (DuMont, Köln). Im Arsenal werden bis Ende Januar zwanzig Filme gezeigt. Zur Eröffnung läuft heute Abend HIS GIRL FRIDAY (1940) mit Cary Grant und Rosalind Russell. Zur Einführung spricht – herzlich willkommen in Berlin! – Winfried Günther vom Deutschen Filmmuseum in Frankfurt am Main. Foto: BRINGING UP, BABY. Mehr zur Filmreihe: einzelansicht/article/4555/2796.html

Rubbles, Ruins, Romanticism

UMS2183.indd„Trümmerfilme“ waren nach 1945 kurzfristig ein Genre in Deutschland. Es gibt sogar eine Publikation unter diesem Titel von Robert R. Shandley aus dem Jahr 2001, deutsch 2010 (nachkriegszeit/). Martina Moeller erweitert den Blick auf die Filme dieser Zeit, indem sie eine sehr interessante Bezugsebene herstellt: sie verweist auf die Malerei der deutschen Romantik, auf Caspar David Friedrich, Ernst Ferdinand Oehme, Carl Gustav Carus, deren Bildmotive und Strukturen sie im deutschen Nachkriegsfilm entdeckt hat. In der Tat gibt es da überraschende Parallelen, die in Moellers Analysen zum Vorschein kommen. Sie stellt sechs Filme in den Mittelpunkt ihrer Untersuchung: DIE MÖRDER SIND UNTER UNS (1946) von Wolfgang Staudte, FILM OHNE TITEL (1947/48) von Rudolf Jugert, AFFAIRE BLUM (1948) von Erich Engel, DER RUF (1948/49) von Josef von Baky, SCHICKSAL AUS ZWEITER HAND (1949) von Wolfgang Staudte und DER VERLORENE (1950) von Peter Lorre. Ihre Analysen gehen natürlich über die unmittelbare Verbindung zur Malerei immer wieder hinaus. So stellt sie Leben und Bedeutung von Fritz Kortner ins Zentrum ihres RUF-Textes und erinnert beim VERLORENEN an die Exil-Biografie von Lorre. Aber Moeller verliert nie ihr Thema aus dem Auge und kommt in ihrem Schlusskapitel zu einer überzeugenden Conclusion. Die Autorin ist zurzeit Dozentin am Deutschen Institut der Universität in Rabat. Titelbild (schwer erkennbar): DIE MÖRDER SIND UNTER UNS. Mehr zum Buch: ts2183/ts2183.php

Yasujiro Ozu

2013.OzuDer 12. Dezember ist Ozu-Tag. Er wurde am 12.12.1903, also vor 110 Jahren, geboren und starb am 12.12.1963, also vor 50 Jahren. Er hat zwischen 1927 und 1962 54 Filme gedreht, die zum Schönsten gehören, was es gibt. Bei der Berlinale 1963 habe ich meine ersten sechs Ozu-Filme gesehen, darunter natürlich auch TOKYO MONOGATARI mit Setsuku Hara. Einen tieferen Blick in das Werk des Regisseurs hat mir 1974 das Ozu-Buch von Donald Richie geöffnet, das den Arbeitsprozess zur Gliederung nimmt: Script – Shooting – Editing. 1988 gab es dann das sehr analytische Buch von David Bordwell „Ozu and the Poetics of Cinema“. Auf Deutsch erschienen drei kleinere Publikationen zu Ozu: die sehr nützliche Dokumentation der „Kino KonTexte“ zu einer Retrospektive des Münchner Filmmuseums, 1981 herausgegeben von Stefan Braun, Fritz Göttler, Claus M. Reimer und Klaus Volkmer, eine Broschüre von Harry Tomicek zu einer Retrospektive des Österreichischen Filmmuseums 1988 und das Heft 94 der Reihe „Kinemathek“, publiziert anlässlich einer Retrospektive im Arsenal 2003. 2008 habe ich im Zürcher Filmpodium TOKYO MONOGATARI eingeführt. Hier ist der Text: yasujiro-ozu-tokyo-monogatari-1953/ Wim Wenders hat 1985 den sehr schönen Film TOKYO-GA über den auch von ihm verehrten Regisseur gedreht, den es auf DVD gibt. Viele Ozu-Filme sind verfügbar. In meinem Regal stehen 35 Titel. Ich weiß noch nicht, welchen davon ich mir heute anschaue.

Iris Berben

2013.BerbenDie 2012 erstmals publizierten Gespräche zwischen Iris Berben und Christoph Amend sind jetzt als Fischer-Taschenbuch erschienen: „Ein Jahr – ein Leben“. Sechsmal haben sich die Schauspielerin und Präsidentin der Deutschen Film-akademie und der Chefredakteur des ZeitMagazins 2011/12 im Berliner Café Einstein getroffen und über ihr Leben gesprochen: assoziativ, nicht chronologisch, unstrukturiert, aber über weite Strecken interessant. Berben, inzwischen 63 Jahre alt, hat viel zu erzählen, weil sie seit mehr als vierzig Jahren sehr exponiert in der Film- und Fernsehbranche tätig ist und dies mit einem großen gesellschaftlichen Engagement verbindet. Im November wurde ihr dafür der „Preis für Verständigung und Toleranz“ des Jüdischen Museums verliehen. Amend ist ein sensibler und erfahrener Gesprächspartner. Das Taschenbuch enthält ein siebtes, für die Zeitschrift Vogue geführtes Gespräch, das im Abstand von einem Jahr stattfand. Ich sitze mit Iris Berben seit zwei Jahren in der Ehrenpreis-Jury der Deutschen Filmakademie und schätze sie sehr. Mehr zum Buch: ein_jahr_ein_leben/9783596195404

Realismus + Zeitlupe

2013.RealismusDie „Zürcher Filmstudien“ werden seit 1995 von Christine N. Brinckmann heraus-gegeben und erscheinen seit 2001 im Schüren Verlag. Publiziert werden Sammelbände und Dissertationen aus dem Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich. Dank der Unterstützung des Schweizerischen Nationalfonds zur Förderung der wissenschaftlichen Forschung sind die Publikationen auch drucktechnisch von spürbarer Qualität. Erschienen sind jetzt die Bände Nr. 32 und 33. Guido Kirstens Dissertation setzt sich sehr grundsätzlich mit dem filmischen Realismus auseinander. Im theoretischen Bezugssystem geht es um André Bazins vielschichtige Ästhetik filmischer Realismen, um Colin McCabe und die poststrukturalistische Realismuskritik und um Kristin Thompsons neoformalistische Realismustheorie. In seinem Kapitel „Historische Konstellationen“ konzentriert sich Kirsten auf drei paradigmatische europäische Filmphasen: die naturalistische Mise en scène im französischen Film der 1910er Jahre, den italienischen Neorealismus der 1940er und 50er Jahre und die Erzählperspektive im neuen rumänischen Realismus der Jahrtausendwende. Argumentiert wird nahe an den Filmbeispielen, für den theoretischen Diskurs sind außer den drei genannten auch andere Koryphäen (Abel, Andrew, Barthes, Gunning, Kessler, Koch, Metz, Mitry, Odin, Peirce, Thröler, Wulff) durch Zitate präsent. Gut lesbar und erkenntnisreich. Mehr zum Buch: filmischer-realismus.html

2013.Zeitlupe„Anatomie eines filmischen Stilmittels“ ist der Untertitel von Till Brockmanns Dissertation über „Die Zeitlupe“. Das Thema wurde in der Filmwissenschaft bisher kaum behandelt, obwohl es von Beginn an im Film präsent war. Der Autor erklärt zunächst sehr verständlich die filmtechnischen Voraussetzungen und unternimmt dann einen Theorieexkurs zu Rudolf Arnheim, Jean Epstein und Germain Dulac, Pudovkin, Vertov, Eisenstein, Siegfried Kracauer und André Bazin. Auf 50 Seiten gibt es einen Abriss zur Zeitlupe in der Filmgeschichte, notwendigerweise sehr summarisch, aber mit interessanten Fundquellen. „Zeitlupe im formalen System“ heißt das anschließende Kapitel über die Montage und den Umgang mit der Tonspur. Da geht es um Zeitlupen-Szenen im Gesamtzusammenhang eines Films. Das umfangreichste Kapitel, „Ästhetik und Narration“, untersucht die Funktion der Zeitlupe in den unterschiedlichsten Filmen, in diversen Genres und ihre differenten Wirkungen. Hier gibt es sehr kluge Analysen exzeptioneller Szenen, u.a. in den Filmen THE WILD BUNCH von Sam Peckinpah (Gewaltdarstellung), RAGING BULL von Martin Scorsese, ZABRISKIE POINT von Michaelangelo Antonioni (Schlussszene). Der Kameramann Michael Ballhaus liefert an verschiedenen Stellen konkrete Bezüge zu Konzeption und Praxis. Das abschließende Kapitel des Buches ist der Zeitlupe im Hongkong-Kino gewidmet. Nicht nur thematisch ist diese Publikation sehr interessant, sie nimmt den Leser mit auf eine weite Reise durch die Filmgeschichte. Mehr zum Buch: anatomie-eines-filmischen-stilmittels.html

QUARTETT + IL BACIO DI TOSCA

2013.VerdiZum Ausklang des Verdi-Jahres gibt es eine sehr originelle DVD-Special Edition, die den Film QUARTETT (2012) von Dustin Hoffman mit dem Dokumentarfilm DER KUSS DER TOSCA (1984) von Daniel Schmid kombiniert. Hoffmans schöner Film spielt in einem privaten Altenheim für Profimusiker, dessen Fortbestand durch eine jährlich an Verdis Geburtstag stattfindende Benefizgala gesichert wird. Zu den neuen Bewohnerinnen des Heims gehört eine ehemalige Starsopranistin (gespielt von Maggie Smith). Eigentlich lehnt sie alle öffentlichen Auftritte inzwischen ab. Aber die Dramaturgie des Films bringt es mit sich, dass sie am Ende doch noch einmal im Quartett aus dem 3. Akt von „Rigoletto“ auf der Bühne steht. Inspiriert wurden Dustin Hoffman und sein Drehbuchautor Ronald Harwood offenkundig von dem Dokumentarfilm IL BACIO DI TOSCA von Daniel Schmid. Zwei Monate lang hat Schmid Mitte der 1980er Jahre zusammen mit seinem Kameramann Renato Berta die Bewohner der „Casa Verdi“, eines Altenheims für Opernsänger und Musiker in Mailand, beobachtet und Gespräche mit ihnen geführt. Verdi und Puccini, die Realität des Alters und die Flucht in die Erinnerung stehen im Mittelpunkt des Dokumentarfilms. Er ist natürlich viel härter und authetischer als der Spielfilm von Hoffman. Zu seinen Protagonistinnen gehörte die Mezzosopranistin Giulietta Simionato. Ich habe sie Ende der 50er und Anfang der 60er Jahre mehrfach in der Wiener Staatsoper und im Bayerischen Nationaltheater erlebt. Daniel Schmid, Absolvent der DFFB, ist für mich einer der großen Schweizer Filmemacher. Er starb 2006. Mehr zur Doppel-DVD: dp/B00EYQ6I2K/ref=pd_sxp_f_i